Konstverk en laddad plats

Idag är det ganska uppenbart att både och innehållet behövs och till och med kräver varandra. Men tack vare konsthistorien lades tonvikten ibland på ena sidan och den andra. Under modernismen låg tonvikten på form; under modern konst betonades innehållet. På samma sätt fanns det fluktuationer i hur konst lärdes ut. I gamla konstskolor var det en stark tonvikt på teknisk kunskap.

Under de senaste decennierna har mer uppmärksamhet ägnats åt tanken, konceptet. Fallet, det vill säga konceptet, temat, temat, berättelsen, är något mer eller mindre medvetet. Det kan visas, det kan också övas. En konstnär kan lära sig att formulera sitt fall. Om konstnären inte har ett fall verkar presentationen ofta vara en tom presentation av en mer eller mindre kvalificerad teknik.

Som en författare som är bra på grammatik, men som inte har något att säga. Den systematiska acceptansen av slumpen - det vill säga för utveckling av fantasi, personlig erfarenhet, värderingar, extern kunskap och mer - är en sen och inte särskilt utvecklad ide. Men eftersom synen på konst har förändrats från produktion av hantverk mot personlig erfarenhet och poetisk tolkning, har fallet betonats mer på utbildningsnivå.

Naturligtvis, efter det kan Siri Derkert förekomma på jobbet. Gamla verk eller delar av verk kan ses i andra sammanhang, som det är i andra sammanhang. Varje konstverk har en potential som bara delvis kan uppfattas av konstnären och omvärlden just nu. Senare kan konstverket ses på ett annat sätt. Det följer också att resonemanget som kan utlösas kring ett konstverk kan förändras, djupt eller ta en annan riktning.

När det gäller livet kan det senare vara döden. Ändringar och omvärderingar kan göras i varje steg i processen. Lysande ideer faller. Andra tankar förändrar karaktären, och konstnären ser dem på andra sidor. Konstnärens arbete kan också placeras i nya sammanhang av någon annan, och därmed uppstår nya tillvägagångssätt. Faktum är att det förmodligen är ovanligt med helt nagelkonstprocesser.

Det räcker ofta att processen såväl som fluktuationerna och att resultaten kan vara mycket överraskande. Även för konstnären själv. Men det betyder inte att konstnären är mindre medveten om sitt arbete. Tyskvid det tredje steget är design. Design avser hur en konstnär visar sitt arbete.

Konstvägen sju älvar är en turistväg och ett skulpturstråk från kust till fjäll i Västerbottens län.

Detta har delvis sin grund i tekniska lösningar - hur stor bilden ska vara, oavsett om det är en svartvitt film eller i färg, i vilket rum installationen kommer att placeras, hållbarheten hos det skulpturala materialet och ett brett spektrum av andra möjliga problem. Men designen handlar också om många andra konstnärliga alternativ. Vilken typ av metafor och symboler som ska användas, vilka villkor tittaren behöver, äkthet, fiktion, grad av stilisering, förhållande till traditioner och mycket mer.

På sätt och vis kan konstnärlig design beskrivas som en mellanposition mellan teknik och presentation. Designen bestäms delvis av tekniken och den metod som konstnären valt. Men han får också sin design från en konstnär som har en viss uppfattning om hur presentationen och kontakten med publiken ska se ut.

Design är ofta, som i fallet med teknik, resultaten är en blandning av medvetna och intuitiva beslut. Andelen av det ena och det andra varierar mellan konstnärer och kan variera från verk till verk för en enskild konstnär. Olika konstnärer har mycket olika åsikter om huruvida medvetande eller intuition ska dominera den konstnärliga processen. Detta kan vara en mycket laddad fråga-föremål för mycket specifika åsikter.

Till exempel argumenterar vissa konstnärer med stor stridighet att deras konst måste ha direkt kontakt med sitt undermedvetna för att vara autentisk. Graden av medvetenhet eller intuition kan också variera beroende på processen. Konstnären kan låta dig slumpmässigt spela in någon gång en redigering i ett senare skede av vad som hände. Det är här slumpens, improvisationens och intuitionens funktion skiljer sig från andra kulturella uttryck som dans eller musik.

Inom ramen för designen innehåller konstnären medvetet, intuitivt eller helt omedvetet olika lager och dimensioner som tittaren senare kan skilja och läsa. Möjligheten till sådan läsning varierar över tiden och skiljer sig åt mellan olika tittare. Möjligheten till olika avläsningar kan vara extremt omfattande. Ur en konstnärs synvinkel kan antalet möjliga avläsningar vara ofattbart.

Därför kan konstnären känna att han lämnar preferens för tolkning till publikens mångfald. Men möjligheterna till design ger ändå konstnären en ganska stor chans att kontrollera det intryck som ett konstverk kan ge. Åtminstone inom en snar framtid och i ett annat sammanhang som konstnären kan förbise.En erfaren konstnär är naturligtvis inriktad på vanliga sätt att skapa olika känslor, som vanligtvis uppfattas som rätt och fel, högt och lågt, vilket är provocerande, vilket är ironiskt, vad är de nuvarande konventionerna.

Och andra ännu mer specifika länkar. Allt detta kan användas i utformningen av konstverk. Vissa konstnärer kanske anser att den konstnärliga processen slutar här. Studioarbetet har slutförts, och andra krafter som konstnären inte kan kontrollera kommer att ta över.

8: Laddad plats.

Men som det har noterats flera gånger är konstnärerna olika. Vissa arbetar med offentliga uppdrag baserat på en specifik budget och schema. Andra formulerar sina egna projekt med mer eller mindre tydliga strukturer. Den tredje kategorin skapar verk i sin studio, utan att veta att de någonsin kommer att komma framför någon publik. Naturligtvis beror inställningen till det fjärde steget på faktorer som ovanstående exempel - hur konstnären arbetar och vilken inställning han har till arbetets slutförande.

Det är också sant att många gallerier och museer inte vill att konstnären själv ska hänga sitt arbete. Detta kan bero på att verken används som en del av ett bredare sammanhang som kuratorn har definierat, eller att galleriägaren har en viss stil i sina utställningar. Presentation för min egen del tror jag att det fjärde steget - presentation - är lika viktigt som de tre föregående.

Jag tror också att vissa artister underskattar vikten av presentation. Således är en presentation hur ett konstverk visas för betraktaren. När det gäller offentlig konst är en presentation en plats på ett visst torg, en vägg i en skola för ettåringar, en hall i en kontorsbyggnad i ett stort företag och så vidare-den grundläggande förutsättningen som i stor utsträckning bestämmer designarbetet i alla de andra tre stegen.

En annan vanlig situation är att en konstnär har en utställning bokad på ett galleri, museum eller konsthall. Det som ska visas på utställningen kan planeras av konstnären, ensam eller i samarbete med kuratorn, men det kan också hända att konstnären gör ett urval av verk som uppstod under ett nyligen utfört studioverk. I ett sådant urvalsarbete kan teman och relationer uppstå som inte tidigare var uppenbara.

Från denna utställning kan konstnären se och uppskatta sitt arbete på ett sätt som han inte har gjort tidigare. Denna utställning gör ett konstverk nytt för konstnären. Kanske skapar konstnären på detta sätt ett avstånd som gör det möjligt till viss del, hans verk är råmaterialet för större konstverk - utställningar. Urvalet av konstverk för en utställning, och en del av den konstnärliga process som den utgör, kan gå långt efter skapandet av ett konstverk.

Denna tidsförskjutning kan också innebära att konstnären var distanserad från sitt arbete. Ofta har en konstnär en speciell, laddad och orörd bild av ett verk som helt enkelt är nytt eller fortfarande i produktion. Beslutet om vad som ska flyttas från studion till galleriet, där kanske en annan slutsats äger rum, är en del av presentationsarbetet. Den andra uppenbara delen hänger. Det kan också innebära att konstnärer som genomförbarhetsstudier på vägen utforskar platsen med fler tillfälliga projekt.

Genom constant art hjälper vi till att skapa högkvalitativa och dynamiska boendemiljöer. Människor över hela Sverige ska kunna delta i viktiga konstnärliga upplevelser i sin vardag. Riktigt bra samhällstjänst aktiverar miljön och låter dig reflektera över designen, historien, minnena och sociala relationer på denna plats. Konst tvingar oss att prova nya sätt att tänka.

Statens Konstråd har nära kontakt med konstnärer i nära kontakt för att skapa en stimulerande och gestaltad miljö. Konst innehåller stora möjligheter till samtal, möten och förståelse mellan människor, oavsett sociala och kulturella förhållanden. Den som någonsin har blivit förvånad över ett konstverk vet att det kan skapa insikter och minnen för livet.

Denna förmåga att få oss människor att se saker på ett nytt sätt, prova andra tankevägar och konfrontera det vi ännu inte vet är det unika. Vår ambition är att de som besöker och vistas i våra offentliga utrymmen ska kunna delta i denna upplevelse. Att bidra till konstens utveckling och den allmänna miljön är en central del av vår verksamhet. Under de senaste åren har vi delat med prioriteringen av en hög grad av reklam och miljö riktad till barn och ungdomar.

Våra största samarbetspartners är statliga aktörer som renoveras, nya och privata aktörer som bygger lokaler där personalen arbetar. Kurator för offentlig konst vilka förutsättningar finns? Vilken typ av skicklighet är intressant i det här sammanhanget? Hur skapar vi ett konstverk på en riktigt hög nivå? I statens Konstråds arbete med offentlig konst är kuratorn expert på konstnärlig och konstnärlig processledning, alltid involverad i hela processen.